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빌 에반스 자신의 리더 셋션에 처음으로 혼 연주자를 맞이한 것은 1962년 7월 16일, 훗날 Interplay라는 작품으로 알려진 셋션의 일이다. 이후, 1979년의 We Will Meet Again까지, 사후 발표된 작품을 포함하면, 혼(Horn, 관악기) 연주자와 공연한 리더작은 불과 8장밖에 되지 않지만, 트리오에 의한 표현과는 다른 에반스의 매력을 음미할 수 있을 뿐만이 아니라, 당시 에반스가 놓여진 상황을 여실하게 전해주고 있으며, 심지어 어떤 의미에서는
그의 매력의 본질을 이야기해 주는 의미에서, 일반적인 평가 이상으로 중요한 기록들이 아닐까 생각한다. 이 글에서는 그 한장 한장에 조명을 비추어, 빌 에반스가 혼 연주자들과의 공연을 통해, 무엇을 얻으려 했는가라는 그리 쉽지 않은 테마에 접근해볼까 한다.
Nirvana
 본론에 들어가기 앞서, 전술(前述)한 여덟장의 앨범이전에, 에반스와 혼과의 관계를 규명하는데 있어서, 빼놓을 수 없는 작품이 있어, 그것에 대해서 간단히 언급할까 한다. 이 작품은 1961년 12월 8일 녹음된, 플룻 연주자 Herbie Mann의 Nirvana이다. 동년 7월 6일, 에반스의 오른팔격이었던 베이시스트,
Scott LaFaro가, 예기치 못한 자동차사고로 급서하고 말았다. 이 충격으로 말미암아, 빌 에반스는 사고이후 3개월간, 세상과 등을 지고 있었으며, 심지어는 피아노조차 만지려하지 않았다고 한다. 그래서 그를 아는 사람들은, 에반스의 음악적 커리어는 이대로 끝나고 말 것이라고 모두 생각했었다.
그런 그에게, 트리오의 재기를 가늠하고, 신인 베이시스트 척 이스라엘즈를 소개해 준 사람은, 그 옛날에도 라파로를 에반스에게 만나게 해준 폴 모션이었다. 이렇게 결성된 트리오의 첫 레코딩이 바로 이 작품이었던 것이다. 열반이라고 명명된
이 작품, 타이틀이 시사하는 바와 같이, 정갈한 느낌의 미로 가득차 있다. 이런한 아름다움은 결코 다른 곳에서는 발견할 수 없는 매력을 발산하고 있으며, 작품이 태어난 배경까지 생각한다면, 에반스는 틀림없이 트리오와는 다른 표현을 찾으려했던 것이 아닐까하는 생각이 든다.
그런 것들을 염두하고, 디스코그래피를 쫓고 있노라면, 에반스가 혼 연주자를 맞이했던 것은, 대부분 그룹의 멤버가 유동적이었던 시기, 또는 멤버 교체의 직후였다는 사실을 발견할 수가 있다. 생애 트리오 표현에만 집착했던 에반스에게 있어서, 생각한대로의 컨트롤을
얻을 수 없었던 것은 얼마만큼 큰 고통이었을까? 그리고 그러한 시련의 시기의 돌파구로서, 혼과의 공연을 필두로, 솔로나 기타등과의 듀오 연주들이 존재하고 있었던 것은 아니었을까하는 생각을 해 본다.
Interplay
 이상의 일들을 염두에 두고, Interplay를 듣고 있노라면, 왜 이 작품이 혼과의 공연의 중에서 가장 높은 평가를 받고 있는가를 이해할 수 있을 것 같은 생각이 든다. 이 작품은 에반스다운 면들은 그다지 많지 않지만, 전형적인 하드 밥 셋션으로서의 통일감이 강하게 느껴진다. 이 말은, 다른
작품들은 거의가 트리오 플러스 알파라는 결과로 끝나고 마는 것에 비하면, 이 앨범은 제법 콤보다운 내용으로 완성되어 있다는 사실을 의미한다. 게다가, 일반 청중들이 접하기 쉬운 스탠다드 곡들을 중심으로 한 선곡의 매력도 이 앨범의 인기의 비결로 빼놓을 수가 없으리라. 특히, 셋션의 최초에 녹음된 When You Wish Upon a Star의 서정미, 그리고 헤아릴 수 없이 많은 사람들이 연주했지만, 그 중 가장 잘 알려진 You and the Night and the Music의 스윙감 넘치는 해석등등, 각 곡들이 가지고 있는 맛을 잘 살리고 있다.
물론,
이러한 성공은 프론트를 맡고 있는 Freddie Hubbard의 호연(好演)에도 크게 기대고 있다는 사실을 간과해서는 안될 것이다. 당시만해도 그저 장래가 촉망되는 신인이라는 정도의 평가를 받고 있었던 프레디였지만, 이 앨범의 연주에서는 트럼펫의 테크닉은 말할 것도 없고, 정갈하면서도 정감있게 표현을 해 내는 발라드의 연주는 실로 매력적이지 아닐 수 없다. 특히, 아까 언급했던 When You Wish Upon a Star의 솔로는, 존 콜트렌의 Ole에 수록된 Aisha의 솔로와 더불어, 이 시기에 연주된 그의 발라드 플레이중 내가 가장
좋아하는 것들이다. 프레디가 자아내는 음색은, 에반스의 감각적인 백킹에도, 계속되는 피아노 솔로에도, 너무나 완벽하게 매치하고 있다라고 생각하는 것은 어디 나뿐이겠는가?
이 앨범에서, 하나 더 중요한 점은 기타의 존재이다. 다섯번째 곡으로, 이 앨범에 수록된 유일한 오리지날곡인 Interplay에는 눈에 뜨일 정도로, 직접적인 표현이긴 하지만, 실내악적인 테마의 앙상블은, 이후 Loose Blues나, Quintessence에서 보여지는, 에반스의 전매특허가 된 구성이다. 복잡한 멜로디 라인에 베이스와 연동하면서,
대응하듯 엮어지는 기타의 사운드는 상당히 매력적이다.
이 앨범이 녹음하게 된 계기는, 라파로의 사후, 에반스가 한층 더 다용(多用)하게 된 마약의 구입자금을 얻기 위함이었다라고, 프로듀서 오린 킵뉴즈는 회상하고 있다. 이 때문에, 트리오이외의 에반스의 레코딩은 모두, 프로듀서의 압력으로, 에반스는 어쩔 수 없이 연주할 수밖에 없었다는 설도 있다. 하지만, 만약 이것이 사실이라 하더라도, 레코딩이 시작되면, 그곳에는 다른 멤버들과, 혹은 피아노와, 나아가서는 자기자신과의 음악적 대화를 끊임없이 시도하는 에반스의 모습이외에는
그 어떤 것도 존재하지 않는다라는 사실을 잊어서는 안될 것이다.
Loose Blues
 프로듀서 오린 킵뉴즈가 왜 세상에 발표를 포기하고 창고에 넣고 말았는지 알다가다 모르는 것이, Interplay 다음으로 녹음된 Loose Blues이다. 에반스 사후에 발표된 이 작품은, 앞서 언급한 Interplay라는 곡처럼, 독자적인 작풍과 사운드를 가진 오리지날 곡만으로 구성되어
있다. 혼 주자는 프레디 허버드를 대신하여, 테너 색소폰 연주자인 Zoot Sims가 맡고 있다. 그의 멜로딕하고 스무스한 플레이를 어떻게 평가하는가에, 이 앨범 전체에 대한 평가도 달라질 수 있으리라 생각한다. 실제, 곡들의 난해함과 참신함을 앨범에 참여한 모든 멤버들이 완전히 소화해 내지 못했다라는 의견도 있지만, 적어도 주트 심즈의 솔로는 매우 정통한 어프로치 안에서, 가능한한 리더인 에반스의 의도하는 바를 잘 이끌어내려는 기백같은 것이 느껴진다. 게다가, 절묘한 편곡이 만들어내는 독자적인 무드까지 고려한다면, 비교적 완성도 높은
작품이라 말해도 과언은 아니리라. 이 작품이 당시에 발매가 취소 된 것은 음악의 질적인 문제라기 보단, 음악 팬들의 동향을 고려해서 내려진 결과가 아닐까 싶다.
Stan Getz & Bill Evans
 다음 작품인, Stan Getz & Bill Evans가 녹음된 것은, 약 2년후인 1964년도 5월의 일이다. 당시,빌 에반스는 지금까지도 명반으로 평가받는 Undercurrent에서, 기타리스트 짐 홀과의 공연을 시작으로, 솔로, 오케스트라와 협연등등 매우 다채로운 활동들을 전개하던
시기였다. 또한 새로운 드럼 자리에 래리 벙커을 앉히면서, 트리오의 재편성을 의도했기 때문인지, 이 시기는 프로듀서 Creed Taylor의 의도가 강하게 반영된 작품이 많으며, 그 중에서도 본 작품은 가장 이색적인 셋션 앨범이라 할 수 있겠다. 에반스와 함께 공동 리더였던 스탠 겟츠에 관해서는, 같은 버브 레이블의 간판 스타이며, 같은 백인이었기에, 그다지 이상할 바는 없으나, 리듬 섹션은 엘빈 존즈가 드럼을, 론 카터나 리처드 데이비스가 베이스를 맡는 등, 각기 다른 인종들로 구성되었기 때문이다.
내용적인 측면에서 이 앨범에 관해서
말을 한다면, 중요한 위치를 차지하고 있던 스탠 겟츠는 잘잘못을 따지 못할 정도의 평이한 연주로 시종하고 있지만, 엘빈 존즈의 바이탈한 플레이에 크게 고무된 에반스의 하드한 플레이가 매우 인상적이라 할 수 있다. 당시, 존 콜트렌과 함께, 재즈사에 거대한 족적을 남겼던 콜트렌 클래식 쿼텟의 정점을 드높히고 있었던 엘빈이었지만, 그는 또한 알 헤인즈로부터 오넷 콜만에 이르기까지, 스타일, 장르를 초월하여, 자신의 스타일을 무너뜨리는 일없이, 타자(他者)와 커뮤니케이션이 가능했던 몇 안되는 매스터 드러머였다. 그런 그의 실력이 이 앨범에서
여실히 작열한 것이다.
스윙감 넘치는 Night and Day를 필두로, 강력한 힘이 느껴지는 Funkallero와 같은 곡까지, 평소 베이스 연주자와의 콜라보레이션에 비중을 두었던 에반스가, 이 앨범에서는 드물게도 드러머와의 뜨거운 대화를 들려주고 있으므로, 실로 귀중한 기록이 아닐 수 없다. 이 작품도 결국 어떤 이유였는지는 알 수 없지만, 창고에 묻히는 신세가 되어, 약 10년정도가 지난, 1973년에 겨우 햇볕을 보게 되었다.
What's New
 이 작품이 녹음된 뒤부터, 수년간은 음악 투어가 많았기 때문에, 앨범 발표의 페이스가 좀 떨어진다. 그 중에서, Monica Zetterlund의 보컬을 가미한 이색작이라든가, 뉴욕의 타운 홀에서의 라이브등과 같은 인기판들도 있지만, 대게 이 시기에는 기백이 느껴지지 않는 연주가 많았다는 인상을 감출 수가 없다.
어쩌면 그 이유는, 오랜 기간을 함께 할동해야 할 자신의 트리오의 결성이 뜻대로 되지 않아서 생기는 초조함 때문이었으리라. 하지만, 그 와중에서 에반스는 드디어 최고의 파트너와 만나게 된다. 그 파트너란 다름아닌, 이후 11년간의 긴 시간에 걸쳐 에반스를 지탱하게 될 베이시스트, 에디 고메즈라는 존재였다. 그를 만나긴 했지만, 아직도 이 시기에는 드러머가 유동적이였던지라, 셜리 맨, 필리 죠 존즈, 잭 데죠넷등등, 각기 인종이 달랐던 드러머들이 에반스 밴드를 거쳐간다. 그리고 1969년, 마침내 마티 모렐이 레귤러 드러머의 자리에 앉게
되어, 향후 지속적인 활동이 가능한 밴드로서 빌 에반스 트리오는 재기하게 되는데... 그 최초의 레코딩이 바로 플룻 연주자인 Jeremy Steig를 맞이하여 녹음한 What's New이다.
궁합(?)적인 차원에서 생각한다면, 스타이그는, 뒤에서 언급하게 될 하모니카 연주자인 투츠 틸레망스와 더불어, 에반스가 같이 연주했던 10여명의 혼 연주자 중에서 가장 눈에 뜨이는 발군의 존재이다. 그것은 플레이어 개개인 문제이외에도, 각 악기가 가진 특성에도 어느 정도 영향이 있다 할 수 있겠다. 앞서 말했던, 플룻과의 공연작 Nirvana의
성공도 어찌보면, 그 근거의 하나가 된 것은 플룻이 가진 인간의 육성에 가까우면서도, 부드러운 울림이, 빌 에반스의 사운드에 잘 어우러졌기 때문일지도 모르겠다.
초급속 템포로 연주되는 블루스 곡, Staraight, No Chaser에서, 스타이그와의 격렬한 음악적 대화를 통해 들을 수 있는 하드 밥적인 어프로치로부터 시작하여, Lover Man에서의 내성적 표정, 그리고 에반스 자신이 참가한 마일즈 데이비스의 Kind of Blue의 오리지날 테이크보다 훨씬 템포가 빠른 So What, 더 나아가서는 What's New나
Autumn Leaves와 같은 유명 스탠다드의 질감있는 완성까지, 다른 곳에서는 결코 비슷한 류를 찾을 수 없을 정도의, 버라이어티 풍부한 내용도 이 앨범의 인기의 비결이 아닐까 싶다.
단, 나에게 있어, 이런 사실들보다 더 중요하게 느껴지는 것은, 에반스가 비로소 혼 연주자를 가미한 밴드를 콘트롤하고 있다는 사실이고, 그곳에 자신의 컬러를 제대로 입히는데 성공했다는 사실이다. 지금까지의 혼 연주자들과의 공연작은, 굳이 구분을 한다면, 에반스 쪽이 게스트였다라고 말해야 될 만큼의 내용이었던 것에 비해, 트리오가 하나가 되어
프론트와 인터플레이를 전개해 나가는 도식은, 편곡이나 작곡이란 측면에서가 아니라, 에반스가 정말로 바라고 있었던, 플레이를 통해서의 대화를 드디어 실현시켰다고 말 할 수 있는 것이 아닐까 싶다.
다음 작품인, Quintessence을 제외하고, 에반스 최후의 세작품도 이 작품과 같이, 레귤러 트리오 플러스 혼의 구성으로 되어 있는데, 마치 트리오안에 혼를 집어넣은 듯한 사운드 컬러를 획득하고 있다. 바꾸어 말한다면, 완벽한 밸런스를 이루고 있는 트리오라는 삼각형에 또 하나의 정점을 덧붙인, 이 사운드는, "한 사람이
연주하고 끝나면, 또 한 사람이 나와서 불어대는 듯한 연주보다는, 동시진행적인 즉흥의 방향을 같이 성장시켜가면 얼마나 좋을까..."라고 말하고, "트리오 이상의 편성은 콘트롤 해 낼 수 없다"라고까지 한 에반스에게는, 이상적인 수련의 장이었음에 틀림없었으리라.
Quintessence
 1969년, Alone을 마지막으로 버브 레코드를 떠난 에반스는, CBS에 몇장의 앨범을 남긴 뒤, 판타지 레이블로 이적한다. 한 동안, 앞서 말한 What's New와 마찬가지로, 고메즈/모렐을 이끌고, 트리오 구성으로 레코딩을 순조롭게 계속해 나갔지만, 1974년 11월에 녹음된 고메즈와의
듀오작 Intuition이후, 베테랑 보컬리스트, 토니 베넷과의 듀오, 피아노 솔로 작품들이 계속되었다. 2년이상에 걸쳐, 정규 앨범중에서 드러머를 배제시켰던 이 시기의 중반인 1976년 5월, 테너 색소폰연주자 해롤드 랜드와 기타리스트 케니 버렐을 참가시킨 Quintessence가 만들어진다. 드러머가 불확정적이었던 시기에는 도우미격으로 등장했던 필리 죠 존즈를 드럼에 앉히고, 에반스와는 거의 무연이었던 웨스트 코스트 재즈의 정통파 베이시스트 레이 브라운을 영입한 이 퀸텟은, 그 편성부터가 확연히 Interplay를
인식하고 있는 듯한 느낌이 든다.
하지만, 그 결과는, 명반의 반열에 오르는 것은 고사하고, 다른 혼 연주자와 함께 했던 공연작들과 비교하더라도, 가장 퇴보적인, 그리고 가장 매력이 결여된 작품이라 많은 사람들이 입을 모으고 있다. 그 이유는 웨스트 코스트에서의 활약 후, 클리포드 브라운/맥스 로치 퀸텟을 거쳐, 후년에는 콜트렌 이디옴을 흡수하여, 최근까지도 일선에서 활약했던 실력파 해롤드 랜드를 시작으로 하는 사이드멘보다는, 에반스 본인에 문제가 있었던 느낌이 든다. 후임의 드러머가 정해지지 않았던 문제였는지, 아니면,
극도의 마약중독때문이었는지, 그것도 아니라면, 오랜 기간 매니지먼트를 담당해 온 헬렌 킨 여사가 프로듀서로서 그에게 활기를 불어 넣어주기 위해서 고심한 기획 자체에 편승할 기분이 아니었는지, 그 사실은 잘 모르겠지만, 나에게는 보다 명확하게, 밝고 다이나미즘를 배증한 표면상의 스타일에 비교해 보면, 에반스의 음악 그 자체가, 보다 내향적으로, 자기의 내면에 있는 이상으로부터 조금도 멀어지지 않았던 결과가 아닐까 하는 생각을 해 본다.
여러가지로 나쁜 측면에서만 쓴 느낌이 들긴 하지만, 이 작품은 결코 허접한 작품으로 낙인찍을
수 있는 작품은 결코 아닌 것은 확실하다. 오히려, 내면적인 고뇌까지도 늘 고매한 예술로 승화시켜 온 에반스의 표현자로서의 테크닉들이 잠시 자취를 감추긴 했지만, 대신, 이 앨범을 통해서는 그의 인간적인 체취를 느낄 수 있다는 의미에서, 많은 분들이 꼭 일청했으면 하는 작품이기도 하다.
Crosscurrents
 1977년, Warne Marsh, Lee Konitz라는, 에반스에게는 가장 깊이 공감할 수 있는 혼 연주진을 맞이하여 녹음된 Crosscurrents, 역시 드러머 엘리엇 지그문드를 참여시키면서, 본격적인 활동을 재개한 에반스 트리오의 레코딩, 제 1탄이기도 하다. 하지만 이 작품은 같은 프론트로 녹음된 1959년작,
Lee Konitz Meets Jimmy Giuffre등과 비교해서 들어 보면, 시간의 흐름의 무상함을 느끼게 하는, 본의 아닌 결과로 끝나고 말았다.
그 이유의 모든 것은, 에반스에게 가장 크게 영향을 끼친 피아니스트중 한 사람이었던 레니 트리스타노의 애제자, 코니츠와 마쉬의 플레이에 있다. 이미 표현자로서의 존재감은 잊혀지고, 그저
자신들의 스타일을 반복할 뿐인, 조금은 퇴보적인 기미의 솔로 프레이즈로 시종하고 있기 때문이다.
그나마, 이 작품에 가치가 있다고 한다면, 전술한 Quintessence와는 대조적으로, 어디까지나 자신의 표현을 추구하려고 하는 표현자로서의 에고(Ego)가 에반스에게 흘러 넘치고 있기 때문이다. 그것은 자신의 솔로 파트가 나오자마자 마치 프론트의 존재를 잊었다는 듯이, 트리오 표현에 탐익해 가는 에반스의 모습이 말해주고 있다. 더붙여, 후진 Steve Kuhn의 연주로 널리 알려지게 된 Eiderdown을 연주하는 등, 늘 재즈씬의
동향에 관심을 갖으면서, 명석한 심미안과 따스한 시선을 잃지 않았던 에반스의 일면도 전해주고 있다. (이런 일은, 이 이외에도, 일반적으로 에반스派로 알려진 Denny Zeitlin의 Quiet Now를 레파토리로 쓰는 등, 많은 好例를 남기고 있다)
Affinity
 만년(晩年)의 에반스가 재적해 있었던 워너 브라더즈에서의 작품 Affinity는, 그의 생애를 통틀어, 가장 훌륭한, 그리고 최후의 파트너의 한 사람이었던 베이시스트 마크 존슨을 맞이한 최초의 작품이었다. 내 사견으로는, 이 작품은 에반스가 혼 연주자를 참여시킨 작품중 그 최고 정점에 위치하는
걸작이 아닐까 생각하고 있다. 하지만, 그 성공은 투츠 틸레망스를, 나아가서는 하모니카라는 악기를 가세시킨 일로, 이미 약속이라도 되어 있었던 것처럼 생각이 들때가 많다.
과거 틸레망스는, 스스로 저술한 하모니카 교본의 말미에서, 하모니카라는 악기의 가능성에 대해서 비관적인 견해를 기술하고 있었다고 한다. 자유로운 표현을 얻기 위해서는 너무 제약이 큰 이 악기는, 그런 슬픈 존재를 상징하는 듯이 애절한 느낌을 띤 음색에 맞춰, 높은 이상과 궁핍한 현실 사이에서, 억누를 수 없는 열정을 높은 지성으로 억제해 온 위대한 예술가
빌 에반스와 콜라보레이션하기에는 가장 어울리는 악기가 아닐까 싶다.
너무나도 감상적이고, 게다가 그 누구의 귀에도 위화감이 느껴지지 않는 대중성을 겸비한 이 작품의 배후에는, "수련을 통해 다듬어진 로맨티시즘은 가장 아름다운 미"라고 말했던 에반스의 이상의 표현이 숨쉬고 있다는 사실을 간과해서는 안될 것이다. 그 때문에, 이 작품은 빌 에반스의 입문자부터 광팬에 이르기까지 폭넓은 팬들의 애청판으로, 지금까지 들려지고 있는 이유이기도 하다.
We Will Meet Again
 에반스 스스로가 라파로와의 공연이래 최고라고 절찬했던 라스트 트리오는, 1979년, 드러머 죠 라바바라를 맞이하면서 결성되었다. 그리고 이 밴드는, 다음해인 1980년 에반스가 죽음에 이르기 직전까지, 최후의 트리오로서 활동을 계속했다. 그 트리오의 최초의 기록이, 최후의 혼 연주를 넣은 앨범
We Will Meet Again이다.
에반스에게 커다란 영향을 끼친 피아니스트, 호레이스 실버와, 전작에도 참가했던 색스폰 연주자 래리 슈나이더를 맞이하여 녹음된 이 작품을 듣고 있노라면, 실로 복잡한 생각들이 뇌리를 스쳐간다. 이미 죽음의 그림자가 드리워졌는지, 평상시와는 달리, 어딘가 모르게 이질적으로 느껴지는 에반스의 연주와, 그런 리더가 자아내는 사운드에 매우 성실한 대응을 보이는 프론트, 리듬 섹션의 모습이 너무나도 가슴 아플 뿐이다.
퀄리티에만 염두하여, 이 작품을 형편없는 작품으로 평가절하하는 사람들도
있지만, Affinity에서 얻은 그룹 표현의 성과를 보다 일반적인 2관(管)이라는 포맷으로 표현하고자 했던 이 작품은, 암시적인 타이틀과 섞여, 내겐 잊을 수 없는 한 장이기도 하다. 문자 그대로 인생의 종착역에서, 에반스는 최고의 트리오와 그룹 컨셉트을 얻었다라고 나는 믿고 싶은 것이다.
"고생을 통해서 만들어 진 것을 나는 신용한다" 생전 에반스는 이렇게 말했다고 한다. 에반스의 혼과의 공연을 뒤돌아 보면, 그는 실로 충실하게 이 신조를 실천했던 것 같다.
생각해 보면, 라파로를 잃은 뒤로부터의 20년간은,
에반스에게 있어서, 너무나도 긴 만년이었는지도 모른다. 스스로의 수련과 운명적인 만남에 의해서 현실이 된 이상을, 어느 날 갑자기 잃어버리고 마는 일이란, 죽음과도 같은 체험이었리라. 소위, 제 2의 인생을 여러 어려움에 직면하면서 살아야만 했던 에반스의, 요소 요소에 남겨진, 미완성이었기에 한층 살아 있는 삶의 증거로서, 여기서 다루었던 혼 연주자들과의 공연 앨범들이, 트리오 앨범들 못지 않게, 많은 사람들에게 영원히 사랑받았으면하고 빌 뿐이다.
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